Vad betyder modefotografering?
Modefotografering är en av de äldsta genrerna av fotografering, om du inte ser det så nära. Bilderna av Pierre-Louise Pierson, tagna redan 1856, betraktas som föregångarna till modefotografi eller som de första modefotona. Den lika vackra och excentriska italienaren Comtesse de Castiglione, Virginia Oldoini, fotograferades på olika foton i hennes garderob och blev därmed historiens första fotomodell.
Den franska tidningen "La Mode Practique" publicerade de första reproducerade modefoton redan 1892. I början av 1900 -talet dök modefotografier upp i "Harper's Bazaar" eller "Les Modes" och samtidigt öppnades de första fotostudiorna för modefotografering i Paris och Berlin. Stilen för modebilder ändrades 1909. Baron Adolf de Meyer utvecklade ett nytt koncept för ”Vogue” och skildrade modellerna i naturliga omgivningar och naturliga poser. Både "Vogue" och "Harper's Bazaar" bidrog till att modefotografering utvecklades till en konstform i sig.
Under andra världskriget flyttade fokus för modefotografering från Europa till USA. Interna fotografer av de stora modetidningarna som Irving Penn, Regina Relang, Martin Munkacsi, Richard Avedon och Louise Dahl-Wolfe formade avgörande utseendet på modefotografering under de närmaste decennierna. Modefotografering bröt sig loss från dess stela positioner och utvecklade ett friare bildspråk.
Mellan konst och reklam
Numera har det blivit extremt svårt att skilja modefotografering från andra genrer. Övergångarna till människor fotografering är flytande och. Idag sammanfattas skönhets-, livsstils- och scenfotografering samt bilder från genrerna ”porträtt” och ”erotisk” under rubriken ”Mode och glamour”.
Så modebilder är inte längre bara reserverade för modefotografer, utan också för författare av andra genrer. Hobby eller professionella fotografer hanterar också det breda området fotografering. I grova drag skiljer vi mellan två huvudriktningar: Säljfrämjande fotografering av kläder på modeller och konstnärligt motiverat, gratis arbete. Men skildringen av smycken, smink och andra tillbehör i samband med modeller är också en del av modefotografering.
I sin bok "Arkeologi av elegans - 20 års modefotografi" kommer redaktörerna Marion de Beaupré, Stéphane Beaumet och Ulf Poschardt fram till att modefotografering i slutet av 1900 -talet kännetecknas av fyra huvudtrender: glamour, punk , högteknologi / futurism och konst.
Kraven på professionellt modefotografi har ökat enormt de senaste åren. Eftersom reklam- och marknadsföringsstrategerna gör allt de kan för att forma våra idéer om skönhet, stil och trender. Detta ökar automatiskt de krav som ställs på fotografen. För vanliga modebilder räcker inte längre för att en designerväska verkligen ska bli en trendsättare. Bilderna måste vara innovativa, snygga och extravaganta för att sticka ut från bildfloden.
Riktigt bra modefotografer har utvecklat sin egen stil som suddar gränsen mellan reklam och konst. Genom att göra det använder de sig av kunskapen om att ett konkret budskap också kan abstraheras och att abstraktion, även om det tydligen är mindre, i slutändan förmedlar mer. Det betyder att det inte nödvändigtvis är möjligt att känna igen vilken artikel som annonseras med fotot, det viktiga är transporten av livsstilen, känslan av välbefinnande och njutning som ska uppstå när man bär detta sätt och att känslor och äkthet förmedlas.
Reklam kontra konst
Inom kommersiell modefotografering, som vi känner det främst från kataloger och webbplatser för varuhus och postorderföretag, ligger fokus på fotona faktiskt på kläderna. Du kan se materialets färger och textur samt plaggets snitt och funktion. Konstnärliga tillvägagångssätt eller porträtt kan inte hittas här. Modellen fungerar som skyltdocka. Du ser modellerna i samma poser hela tiden. Det finns också detaljer om kläderna, till exempel knappar, blixtlås eller särskilt sofistikerade applikationer.
Men även här går trenden mot att integrera modellen med kläderna i ett ämne som ska få kläderna att framstå som av högre kvalitet eller visa en livsstil som ska motivera kunden att köpa kläderna. Eftersom marknaden är stor och du vill sticka ut från konkurrenterna. Så inte bara en blus eller byxor avbildas, utan modellen är utrustad med alla tillbehör och visas i en miljö som tilltalar betraktaren känslomässigt och väcker lust. Detta kan vara i studion eller utomhus.
Däremot finns reklamfoton av dyra etiketter, som du ser dem i tidskrifter. Ofta känner du inte vid första anblicken vilken produkt som annonseras här, även om du läser varumärket, eftersom de flesta designers säljer allt under samma namn - från skor till kläder och smycken till parfym. Och det är det det handlar om här också, inte om tröjan, utan om en inställning till livet som dessa bilder förmedlar.
Det är därför det inte finns några regler för denna typ av modefoto med avseende på vilken typ av foton som tagits. Fotografer, modeller, stylister och makeupartister sätter upp ett totalt konstverk på delvis genomarbetade uppsättningar. Vad som kommer ut ur det kan variera extremt. Allt är möjligt, från kläddetaljer på en beskuren modell till den helt illustrerade uppsättningen med tillbehör. Eller så annonseras produkten ensam med en välkänd och uttrycksfull modell. Sedan korsas gränsen till porträttfotografering, varigenom det finns en skillnad: Det är inte modellens karaktär eller personlighet som är i förgrunden, utan produkten. Särskilt när det gäller underkläder och badkläder är gränsen för erotisk fotografering en linjebandspromenad. Neglar, strumpor och högklackade skor kan lätt suddas ut gränserna.
Fotografen måste arbeta mycket noggrant och medvetet för att säkerställa att bildens budskap ligger på, om än glesa, kläder och inte på modellens kropp. Avgränsningen från fetischfotografering är ännu svårare här eftersom de flesta kläderna har en sexuell innebörd.
Så när du tar bilder ska du aldrig tappa ur sikte att det här handlar om modefotografering och inte om erotiska bilder. Om möjligt bör de färdiga fotona inte väcka sexuella begär, utan bara uppmuntra människor att köpa det visade mode.
